Bienvenidos al Blog "música en educación infantil", en él vamos a describir y mejorar las actividades realizadas día a día en clase.
Espero que os guste
lunes, 8 de octubre de 2012
Pasapalmada
28/09/2012
- Pasapalmada
Esta actividad consiste en realizar un círculo de unas 15 personas, en la que se establecen una serie de normas como por ejemplo se comienza con una palmada a la derecha o a la izquierda y si algún miembro del grupo da dos palmadas se cambia de sentido, lo mismo ocurre con las piernas, si alguno se confunde queda eliminado.
Una foorma de dificultar dicha actividad puede ser realizar dos sentidos dentro del mismo corro, o a la vez que se da la palmada o pisada ponerle un nombre, por ejemplo pim, pam o pum y por último realizar la misma actividad pero esta vez de espaldas.
Con esta actividad trabajamos la concentración, los reflejos, atención y disparo de nombres.
- Diapasón
El diapasón es: "Instrumento en forma de horquilla que vibra al ser percutidas sus ramas y
produce un sonido de frecuencia pura. Se emplean diapasones de
distintas frecuencias para el examen clínico de la audición" (http://www.definicion-de.es/diapason-2/).
Con este instrumento podemos realizar una gran variedad de juegos en clase como los planteados por el profesor:
- Dar golpe en el diapasón y ponerlo en codo o rodilla para escucharlo, ya que el hueso se encarga se transmitir el sonido.
- Dar golpe y ponerselo al alumno en la cabeza para que lo oiga y reproduzca el sonido el mismo, y después que lo realice el mismo.
- Concierto
Tras acabar con el diapasón hemos realizado un concierto en dos grupos de 15 personas, utilizando las canciones de: "El clapton" y "Paquito de Rivera".
El concierto ha consistido en ponernos mirando hacia el público y realizar los mismos ritmos que iba marcando el profesor con palmadas con piernas y manos, cambiando hacia la derecha y hacia la izquierda.
Con dicho concierto hemos trabajado la lateralidad, simetría, coordinación, ritmo, silencio, observación, imitación y coordinación con la mirada.
en este ejercicio es importante saber elegir la canción adecuada, el saludo y el aplauso.
- Percusión corporal
Por último, hemos realizado un ejercicio de percusión corporal similar al transcurrido el día anterior,recordamos con un video lo que es:
La actividad ha consistido en que el profesor ha puesto en la pizarra otro "número de teléfono" con la siguiente secuencia:
[ 3 3 5´5 1 3 3 5]: Kafé
El ejercicio, como el día anterior ha consistido en realizarlo una y otra vez hasta memorizarlo y realizarlo de memoria, luego lo hemos complicado haciéndolo muy rápido, y por último muy rápido sin mirar.
♫21/09/2012♫
- PERCUSIÓN CORPORAL
Hemos trabajado la percusión corporal a través de un ejercicio planteado por el profesor. Dicho ejercicio ha consistido en dividir la clase en dos grupos, y hemos seguido el ritmo del profesor, repitiendo los movimientos del mismo, obteniendo como resultado dicha música con el cuerpo.
En dichos ejercicios hemos trabajado los números impares: 1,3,5,7 y 9, a la vez que lo realizamos con la llamada percusión corporal.
Respecto a la percusión corporal podemos encontrar varios videos de profesionales dedicados a ellos, por lo que podríamos enseñarselo a los niños y despues presentarles una actividad parecida:
También se les puede enseñar una actividad cotidiana que ellos realizan a diario con música cosporal como por ejemplo la comida:
También podemos aprovechar canciones que cantemos en la asamblea y enseñarles a acompañarla con percusión corporal como por ejemplo palmas, pitos, pisadas...como por ejemplo:
Cuando en la canción dice "así, así", se puede acompañar de palmas o pisadas.
Por otro lado, una manera de complicar estas actividades es dividir la clase en dos grupos y enseñar dos secuencias diferentes a cada grupo, y así que cada grupo deba memorizar su secuencia intentando no confundirse con la del otro grupo.
- CANCIONES
Para finalizar la clase el profesor, nos enseñó una pequeña canción, la cual cantamos junto al piano:
♫"Yada, yaaaaaaaaaaaaaaaa- da, yada, yada, ying, ying, ying"♫
Una vez aprendida la canción ha sacado a los alumnos uno por uno a cantar.
Otra opción es enseñar las notas musicales en la pizarra a los alumnos e invitarles a tocar la melodía con los instrumentos adecuados, como por ejemplo xilófonos, flauta... por ejemplo:
Vals y Swing
En la clase de hoy, el tema principal ha sido aprender algunos pasos del swing y el vals.Vals
"El vals es un ritmo de tres tiempos en un compás. Es el baile de
salón por excelencia, el clásico baile de salón y el que bailan los
novios en el día de su boda. El origen de su nombre viene del término
"walzen" (en alemán girar).
Sus orígenes no están bien determinados ya que según unos autores
datan de los siglos XII y XIII, basándose en un baile que era conocido
como "Nachtnaz"; pero otros autores indican que puede provenir de
antiguas danzas germanas medievales y de una danza francesa conocida
como "carmaglone".
Una de los orígenes más aceptados es que el vals tiene su origen en
los landler, danzas montañesas y rústicas del sur de Alemania y de
Austria, que eran bailadas en un lento compás de tres tiempos, en la que
las parejas bailaban girando continuamente. Este baile, el landler, al
igual que otras danzas de origen campesinas y folclóricas, no eran
admitidas por la alta sociedad, pero a finales del siglo XVIII, empieza a
ser bailado por la burguesía y la nobleza en los salones y empieza a
ser considerado como un baile de salón."
El profesor nos ha puesto en círculo y hemos girado de izquierda a derecha dando tres pasos:- 1º paso si, 2º paso no, en dicho silencio se da un salto o dos palmadas .
- Ir de delante hacia atrás.
- Combinando el peso, apoyando 1 pie y otro no, sin levantar los pies del todo.
El ritmo no está del todo interiorizado y se pierden en el cambio.
En el siguiente video podemos ver una demostración:
Swing
"Se denomina Swing, al estilo de baile con el que se acompaña a la música Swing. Los bailes de swing tienen origen en el sur de Estados Unidos
durante las primeras dos décadas del siglo XX, cuando bailarines
improvisaban pasos sobre los acordes del piano de los estilos musicales ragtime, jazz y dixieland.
La comunidad afro-americana, principalmente en las mayores áreas de Nueva Orleans, Chicago y Nueva York, comenzó a bailar swing, una forma de música que era una síntesis de la música contemporánea. Esto incluía el jazz, el Ragtime y el Charlestón (baile). El baile que resultaría de esa síntesis fue posteriormente conocido como Lindy Hop. El Lindy Hop tiene varios subestilos como el Balboa, el Charleston, el Jitterbug, el Ballroom Swing, el Ballroom Jive y el West Coast Swing.
La familia de los bailes de swing es probablemente la mayor
contribución estadounidense al mundo del baile, además de ser el primer
baile enteramente inventado por norteamericanos."
En el paso del swing aumenta la dificultad añadiendo vuelta más palmada.
Un truco puede ser hacer pasos cortos sin moverse casi del siti, una posible variante puede ser andar hacia atrás con el paso.
En este video, podemos obtener una explicación más exacta:
Bibliografía
- Página Wikipedia
http://es.wikipedia.org/wiki/Swing_%28baile%29
(Consultada el 12 de Abril de 2013).
- Página oficial protocolo
http://www.protocolo.org/miscelaneo/bailes_de_salon/vals_como_bailar_un_vals_historia_y_origen.html
(Consultada el 12 de Abril de 2013).
Mínimo común múltiplo y concierto
En la clase de hoy el profesor nos ha pedido nada más llegar, que pensaramos el mínimo común multiplo de 2, 3 y 4.
Por lo que pensando y pensando, llegamos a la conclusión de que la respuesta correcta era el 12.
Al principio no entendíamos la razón por la cual nos pedía eso, por lo que para explicarlo nos dividió en tres grupos de entre los cuales:
- El 1º grupo daba una palmada y 2 en la pierna.
- El 2º grupo daba una palmada y 3 en la pierna.
- El 3º grupo daba una palmada y 4 en la pierna.
De esta forma, si se realizaba de forma correcta, llegaba un momento en el que el ritmo se igualaba y todos dabamos el mismo ritmo.
Después introdujo una variante, ahora en vez de realizar dicho ejercicio por grupos, lo hacía por parejas, es decir, cada 2 (1 y 2) (1 y 3) y (1 y 4).
Una vez conseguido lo realizó de forma más rápida.
Pues bien, todos estos ejercicios, servirían para explicarnos el tema de la orquesta sinfónica, ya que un atril es compartido por cada dos y para realizar la partitura de forma completa es cada 12.
La Orquesta sinfónica
"La orquesta
sinfónica u orquesta filarmónica
es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias
familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una
orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en
su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de
músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra
que va a ser ejecutada y el tamaño del lugar en donde tendrá lugar la presentación
de dicha obra. El término «orquesta» se deriva de un término griego que se
usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa
‘lugar para danzar’.
Origen
Dos ciudades fueron los principales centros de
producción musical, catalizadores del <<nuevo estilo>> y forjadores
de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad
de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales
para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo
apreciar Mozart. La orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la
utilización de unos recursos, como los llamados crescendo y diminuendo Mannheim
—que, en realidad, no fueron invención de los miembros de este grupo—, la alta
exactitud en la dirección y la precisión interpretativa. Uno de sus principales
directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero compositor que
introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en los
motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacó una serie de
compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta,
como Matthias Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus
aportes al concepto estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con
quienes esta forma alcanzó el desarrollo que llevó directamente a las
realizaciones.
Instrumentos
de una orquesta sinfónica
La orquesta de cámara o sinfónica típica consta de
cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo
general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas
proporciones indicadas):
- Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones
- Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.
- Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
- Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.
Cada sección de la orquesta
tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha
venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los
instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se
colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se
colocan los instrumentos de percusión y el piano.
De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón
de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no
siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por
ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se
encuentra."
En cuanto al director de la orquesta podemos decir que debe ser el referente visual, y debe ser claro sin cambiar la misma.
Debe realizar un gesto mínimo, cuanto menos mucho mejor, y debe anticiparse al resto del grupo.
"El director de la orquesta cumple una función clave en
la orquesta sinfónica, e incluso de la formación musical. Es una persona que no
sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para
que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura
según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra
pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad
la vida y obra de los compositores.
El director no aparece en la orquesta hasta el siglo
XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y
surgió casi por motivos estéticos.
Antes era el primer violín (concertino), el
Clavecinista u Organista quien dirigía (Continuista), y actualmente se encargan
de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual
de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.
En una orquesta sinfónica hay 100 instrumentos o más.
En las normales hay 80 o más músicos o instrumentos. En una orquesta siempre
hay tres familias de instrumentos, son ellas: cuerda, viento y percusión."
25/1/2013
Los instrumentos de la orquesta sinfónica
El profesor comenzó la clase terminando de explicar los instrumentos que componen la orquesta sinfónica y su colocación en la misma.
"La orquesta de cámara o sinfónica típica consta de
cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo
general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas
proporciones indicadas):
- Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones
- Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3
trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.
- Percusión: varía muchísimo dependiendo de la
obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
- Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.
Cada sección de la orquesta
tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha
venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los
instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se
colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se
colocan los instrumentos de percusión y el piano.
De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón
de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no
siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por
ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se
encuentra."
Viento
madera
Flautín
El flautín (llamado también piccolo,
del italiano flauto piccolo: ‘flauta pequeña’)
es un instrumento de viento madera en
tonalidad de Do. Se trata de una flauta
pequeña. Físicamente, el flautín es como la flauta
travesera pero con un menor tamaño. El timbre es parecido, pero una octava
más alto. Por ello, se dice que el flautín es un instrumento transpositor; es decir, su
sonido real es diferente al escrito: las notas a interpretar en el flautín se
escriben una octava más baja que su sonido real, para evitar demasiadas líneas adicionales en el pentagrama.
El sonido del flautín
es penetrante y se caracteriza por su tono agudo.
De hecho, el flautín tiene el timbre
más agudo
de todos los instrumentos orquestales. La sonoridad del
flautín, especialmente en las notas más altas, es muy penetrante, por lo que
sobresale aunque todos los instrumentos estén siendo ejecutados.
Puede ser fabricado todo de
metal o de madera el cuerpo y las llaves y embocadura de metal.
A pesar de esta presencia
constante del flautín, producida por su agudo sonido, el flautín puede
utilizarse para interpretar tanto piezas delicadas y tranquilas como alegres y
poderosas.
Se utiliza en las orquestas,
aunque más frecuentemente en las bandas
militares. Es uno de los instrumentos típicos del Basler
Fasnacht (carnaval de Basilea, Suiza).
Flautas
La flauta travesera,
traversa, o transversal, es un instrumento musical de viento-madera. El músico que toca
la flauta es conocido como flautista.
Los materiales que se emplean en
la flauta pueden comprender entre madera, oro, plástico, alpaca (más conocida
como plata alemana) que es de lo que generalmente están hechas las flautas para
los alumnos principiantes y por último podemos encontrar de forma completa o
combinada la plata, el oro e incluso el platino. El uso de los diferentes tipos
de materiales vendrá determinado primeramente al gusto del flautista pero hay
otros factores que pueden decidir qué material preferir, como por ejemplo la
proyección del sonido en los diferentes tipos de materiales y su calor. Por
ejemplo, el calor del sonido de una flauta de oro es cálido mientras que el de
una flauta de plata es más brillante. Los materiales metálicos de la flauta se
suelen combinar entre las diferentes partes de las flautas. Suele hacerse así
por motivos económicos, como por ejemplo tener una flauta con la cabecera de
plata y el resto de alpaca, o la flauta entera de oro y las llaves de plata.
Las flautas no forman parte de
la familia de los instrumentos de viento de metal sino que
dentro de la clasificación usual de los instrumentos de la orquesta sinfónica,
por su sonido se encuentran en el grupo de los instrumentos de madera junto con
los de las familias del clarinete y del oboe, esto es, los instrumentos de lengüeta
simple y doble. En la clasificación formal que estudia la organología,
las flautas pertenecen a la familia de los instrumentos de bisel (que desde muy
antiguo se han fabricado de madera) independientemente del material de que
estén fabricadas.
Oboe
El oboe (francés: hautbois, 'madera alta o aguda')es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite
mediante la vibración de una lengüeta
doble que hace de conducto para el soplo de aire. Su timbre
se caracteriza por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy
expresiva.
Conocido desde la Antigüedad,
el instrumento ha evolucionado en el espacio y el tiempo con una amplia
diversidad fruto de la creatividad de las civilizaciones
y culturas,
que han permitido que siga usándose en la actualidad. Los oboes tradicionales (bombarda, cornamusa, duduk, gaita, hichiriki y zurna) y los oboes
modernos (oboe pícolo, oboe, oboe de
amor, corno inglés y oboe
barítono) forman una gran familia con múltiples facetas.4
Empleado en solo,
música concertante, música de cámara, orquesta sinfónica o banda
musical, el oboe moderno representa en la orquesta al conjunto de la
familia. Las obras para oboe proceden esencialmente del repertorio barroco
(Bach) y clásico (Mozart), y tras su renacimiento, del Siglo XIX (Robert
Schumann) hasta nuestros días (Berio).
Según la RAE, la persona que toca el oboe se denomina
oboísta.5 El
término oboe lo han utilizado también los organólogos
como nombre genérico para un instrumento de doble lengüeta de taladro cónico.
Asimismo puede referirse a un tipo de registro de órgano.
Corno
inglés
El corno
inglés es algo más grande que el oboe y suena más grave.
Su nombre, aunque con muchas dudas, parece provenir del término francés "cor anglé" (corno doblado) que,
por sucesivas transcripciones, desembocaría en "cor anglais" (en francés tiene una pronunciación muy similar
al anterior y significa "corno inglés")
Tiene una longitud aproximada de un metro y la lengüeta está colocada en el extremo
de un pequeño tubo con cierta forma de gancho, que se coloca en el estremo
superior del instrumento. En el extremo opuesto, el pabellón tiene forma de
bulbo
En la orquesta suele tocarlo el tercer oboísta. Es un
instrumento transpositor (en
este caso, cuando el instrumentista toca las notas de la partitura, lo que está
sonando lo hace una quinta más grave). El mecanismo de llaves y la digitación
para tocar el instrumento son los mismos que en el oboe.
Es un instrumento con una gran profundidad sonora, que
acentúa el carácter dramático del oboe
Clarinete
El clarinete pertenece a la
familia del viento soplado y viento madera, al igual que la flauta, el oboe y
el fagot. Es un aerófono de lengüeta
simple. Se construye en madera (tradicionalmente de ébano o granadillo),1 ebonita2 o ABS y su perfeccionamiento, en el
siglo XIX, con un sistema de llaves mejorado lo situó en un lugar privilegiado
entre los instrumentos. La belleza de su timbre
lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento
de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y
cromatismos.
Partes del Clarinete: Boquilla: es la pieza donde va
colocada la caña y el instrumentista coloca la boca para realizar la
embocadura. Barrilete: es el
elemento que articula la boquilla con el cuerpo superior del instrumento. Cuerpo superior: es donde se coloca la
mano izquierda al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento. Cuerpo inferior: es donde se coloca la
mano derecha al tocar y posee parte del mecanismo del instrumento. Campana: Situada en la parte inferior
y cumple una función acústica que permite la proyección del sonido durante la
ejecución.
Fagot
El fagot es un instrumento musical de tubo cónico
perteneciente a la familia de viento-madera y provisto de lengüeta
doble.
Los instrumentos de la familia
del fagot son el fagotino y el contrafagot,
además de los instrumentos de la familia del oboe y del heckelfón,
por ser estos también instrumentos de tubo cónico en los que el sonido se
produce mediante una lengüeta doble. Ocasionalmente está considerado como el
bajo de la familia del oboe. Su tesitura es de 3 octavas y media y se puede
dividir en 4 registros: grave, medio, agudo y sobre agudo.
El fagot tiene una altura de 156
cm. aproximadamente y una longitud total del taladro de 250 cm. El fagot debe
su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido de
los instrumentos de viento.
Viento metal
Trompetas
La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente
a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales,
fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración
de los labios del
intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).
La trompeta, comúnmente, está afinada en si ♭ (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación
real (también hay trompetas afinadas en fa, en do, en la y
en mi ♭
(bemol)).
El músico que
toca la trompeta recibe el nombre de trompetista
o trompeta.
Trompas
También llamada Corno
Francés, probablemente debido a su temprano desarrollo en Francia, nos
referimos usualmente a ella como Trompa
La trompa moderna (con una longitud del tubo,
incluyendo válvulas de unos 5m) es un instrumento transpositor. Está afinado
musicalmente en Fa, por lo que su música está escrita una quinta justa mas alta
que el sonido real.
Muchos intérpretes usan actualmente una trompa
doble. Esta tiene una cuarta válvula que sitúa el instrumento en Sib (una
cuarta mas alta que la trompa en Fa). Ello permite un mayor control de las
notas altas.
Para un intérprete resulta difícil dominar a la vez las notas muy altas y muy bajas;
por eso los músicos suelen especializarse en una u otra extensión.
Trombones
tenores
El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal. El sonido se produce
gracias a la vibración de los labios del intérprete
en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).
Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil,
denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer,
produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con una mayor
o menor presión del aire soplado por el intérprete en la vara, más se alarga la
columna de aire y el sonido producido es más grave, cada posición bajo que la anterior. Sin embargo,
también existen trombones con válvulas. Al
igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el
trombón de varas es de latón, y consiste en un tubo cilíndrico y abierto
enrollado sobre sí mismo.
Durante los periodos barroco y
clásico se usaba mucho en la música religiosa, y desde el siglo XIX es
imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en las bandas
y en la música de jazz, donde, además de ser un instrumento clave para la big
band, interpreta pasajes solistas. En la familia del trombón hay muchas
variantes con distintas tesituras y tamaños. En la orquesta se suele usar el
trombón tenor y a veces el bajo.
Tuba
Gracias a su versatilidad
permite utilizarla para reforzar cuerdas y vientos de madera o, cada vez más,
como instrumento para solos.
Las tubas también son utilizadas
en bandas y en conjuntos de viento, en cuyo caso se utilizan dos instrumentos
de cada una de las dos afinaciones: Mi♭ y Si♭.
La tuba es un instrumento hecho principalmente de laton lacado, si estirasemos
una tuba mediria alrededor de 7 metros y utiliza una boquilla de un tamaño
aproximado de 2,4 cms y en forma de copa en su interior, las tubas pueden ser
de cilindros o de pistones, los cuales agrandan en sonido, pero los cilindros
augmentan la velocidad
En manos habilidosas, es un
instrumento capaz de cubrir un amplio campo de sonidos (más de 4 octavas) y
extraordinariamente ágil.
La tuba más común es la tuba
contrabajo, afinada.
Percusión
Timbales
Un
timbal o tímpano (en plural italiano: timpani) es un instrumento musical
membranófono de sonoridad
grave,
que puede producir golpes secos o resonantes.
Se utiliza golpeando los parches con un palillo o baqueta
especial llamada "baqueta de timbal". Está formado principalmente por
un caldero de cobre, cubierto por una membrana. Se puede afinar
por lo que produce sonidos determinados,
vale decir, notas musicales.
Caja
La
caja, caja clara, tarola
o redoblante es un instrumento
de percusión
de sonido indeterminado.
Según la clasificación Hornbostel-Sachs,
pertenece a la familia de los membranófonos.
Es un tambor,
usualmente de poca altura, con hebras llamadas bordones dispuestas
diametralmente en la membrana inferior, las cuales le proporcionan su característico
timbre más estridente y metálico que el del tambor común. Al músico que toca la
caja se le llama a su vez, por asociación, caja, teniendo formación de percusionista.
Este instrumento es usado en orquesta,
en bandas de música,
y es una parte fundamental de la batería.
Cuerdas
Violines
El violín es el instrumento más
barato de su familia, pero también es el que llega a los precios más
desorbitados.
Los violines se clasifican de
acuerdo con su tamaño: el 4/4 ―cuya longitud suele ser de 14 pulgadas o
35,5 cm y su ancho máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm― es el
más grande y es el utilizado por los adultos; le siguen violines de tamaño
menor, destinados a jóvenes y niños, denominados 3/4, 2/4 y 1/4. Existe también
un violín de tamaño 7/8, llamado también "Lady", que es utilizado por
algunas mujeres o por varones adultos de manos pequeñas.
Violas
La viola es un instrumento musical de cuerda, similar en
cuanto a materiales y construcción al violín pero de
mayor tamaño y proporciones más variables. Su tesitura se sitúa entre los
agudos del violonchelo y los graves y medios del violín. Es considerada como el
contralto o el tenor dramático de la familia de las cuerdas.
Las cuerdas de la viola están
afinadas en intervalos de quintas: do, sol, re, la
(siendo el do la cuerda más grave).
Al intérprete de viola se le
llama «violista» o «viola».
Chelo
El violonchelo, chelo
o violoncello es un instrumento musical de cuerda frotada, perteneciente a la
familia del violín,1
y de tamaño y registro entre la viola y el contrabajo.
Se toca frotando un arco
con las cuerdas,2
y con el instrumento sujeto entre las piernas del violonchelista.
Según la Real Academia Española, en español
se denomina chelo, violoncelo o violonchelo (con preferencia por este último).3
En algunos países hispanohablantes, se utiliza también la palabra italiana violoncello
(pronunciada como en italiano: violonchelo), que no está reconocida por
dicha Academia, o su abreviatura cello (chelo).
El ejecutante de violonchelo se
llama violonchelista, violoncelista o chelista (según la RAE). Pertenece al
grupo de instrumentos básicos y fundamentales de una orquesta dentro
del grupo de las cuerdas, realizando normalmente las partes graves, aunque la
versatilidad del instrumento le permite interpretar partes melódicas.
Tradicionalmente está considerado
como uno de los instrumentos de cuerda que más se parece a la voz
humana. A lo largo de la historia de la música se han compuesto muchas obras para
violonchelo debido a su gran importancia dentro del panorama musical al ser
éste un instrumento básico en muchas formaciones instrumentales (sobre todo en cuartetos).
Contrabajo
Es el segundo mayor y más grave
de los instrumentos cordófonos. El más grave de todos es el octabajo, que da
sonidos dos octavas más graves aún.
Por razón de su tesitura grave,
hasta tiempos relativamente recientes muy pocas veces se usaba el contrabajo
como solista. El primer contrabajista virtuoso fue Domenico Dragonetti; el segundo, Giovanni Bottesini.
El sonido del contrabajo se
produce por la vibración de las cuerdas al ser frotadas con un arco,
aunque puede también producirse pulsándolas con las yemas de los dedos, al modo del bajo
eléctrico o el tololoche, técnica que recibe el nombre de pizzicato
o pellizco.
En este video podemos comprobar todo lo explicado anteriormente:
Al terminar de explicar el tema de la orquesta sinfónica, el profesor nos formuló la siguiente pregunta:
¿ Se puede ver la forma de algo que no se ve?
Esta pregunta es difícil de explicar y contestar, sobre todo a un niño, hay que ser consciente de que se escucha también con la mente.
Un ejemplo en el que se puede ver o comprobar la forma musical es en la película fantasía, por ejemplo:
Podemos añadir que:
"Se llama forma musical a la manera de organizar o estructurar
una pieza musical, que resulta del orden elegido por el compositor para
presentar los distintos temas o ideas musicales que la integran.
Su nombre, aunque con muchas dudas, parece provenir del término francés "cor anglé" (corno doblado) que, por sucesivas transcripciones, desembocaría en "cor anglais" (en francés tiene una pronunciación muy similar al anterior y significa "corno inglés")
Para un intérprete resulta difícil dominar a la vez las notas muy altas y muy bajas; por eso los músicos suelen especializarse en una u otra extensión.
Para crear una forma musical los compositores utilizan dos
recursos básicos: la repetición y el contraste.
- La repetición
de una idea
musical, puede ser literal o presentar alguna variación con respecto a la idea
original. La repetición ayuda a dar unidad a la obra musical (algunos temas
pueden escucharse varias veces a la largo de una obra).
- El contraste:
para evitar que la música sea monótona, se utiliza el contraste, que es la
presentación de una idea nueva que contrasta con lo ya escuchado.
Partiendo de estos dos
recursos básicos, podemos decir que las partes de una composición pueden estar
relacionadas entre sí de varias maneras diferentes:
- La repetición
exacta.
-
La variación:
Es la repetición con ciertas modificaciones (ornamentación de la melodía,
alteración de la armonía, cambios rítmicos, etc.) de un tema, parte o motivo. En
cada variación siempre queda algunos aspectos esenciales para poderla
identificar como repetición del original.
- La imitación:
Es la repetición de una estructura melódica, rítmica, armónica, etc., por una
voz, instrumento o grupo distinto al que la interpretó.
- El desarrollo:
Es una transformación o elaboración de elementos de la parte inicial, (un
fragmento melódico o rítmico, etc.), extraídos y combinados de manera diferente
para crear una nueva parte, que puede tener algún rasgo reconocible o presentar
nuevas ideas irreconocibles respecto del original.
- El contraste:
la nueva parte es completamente diferente de la precedente.
Estas relaciones constituyen la base de
las formas musicales.
Para diferenciar las diferentes partes que
forman las estructuras musicales se utilizan las letras del abecedario, y en su
mismo orden:
A toda primera frase melódica se le
denomina "a" por ser la primera, la frase
siguiente, si es repetición de la anterior le corresponde la misma letra "a",
si es una repetición con algún aspecto modificado se utiliza la misma letra con
algún signo que identifique la variación " a'
".
Si la frase siguiente es nueva se la
identifica con la siguiente letra, es decir la "b".
Para identificar las repeticiones de las
partes se utilizan los signos de repetición,||:a b:||
es igual que a b a b, a:||b c
es igual que
a a b c.
Cuando unidades menores se estructuran en
otras unidades mayores, éstas se identifican con el mismo método pero con letras
mayúsculas.
Tipos de forma musical
1.- Formas basadas en la repetición por secciones
Forma primaria
Es la forma más simple de estructura musical. Son las que
están constituidas por una sola frase aunque ésta se repita varias veces (cambia
la estrofa, no la melodía - forma estrófica), A A A.
En esta forma -como en cualquier otra-, la Introducción y la
Coda son facultativas.
Forma binaria
Está dividida en dos secciones:
si se trata del tipo A A, la segunda sección no
puede ser la repetición exacta de la primera, ya que entonces resultaría del
tipo primario, son pues indispensables algún tipo de modificación
A'.
Si es del tipo
A B, habitualmente
la primera tendrá final suspensivo y la segunda final conclusivo."
Del latín cantio, una canción es aquello que se canta (produce sonidos melodiosos). Se trata de una composición en verso o hecha de manera tal que se pueda poner en música.
La palabra canción también permite dar nombre al conjunto de letra y
melodía que dependen de la otra para existir, ya que fueron creadas para
ser presentadas al mismo tiempo.
artistas por sus primeros trabajos y no se sientan a gusto con los cambios.
Fuent
Las diferentes partes de una canción pueden ser:
Introducción
La introducción (o intro) es una sección única que
suena al principio de la pieza musical. Esto por lo general aumenta el
suspenso para el oyente de modo que, cuando entra el ritmo principal, se
produce una liberación o sorpresa. En algunas canciones, la
introducción consiste en uno o varios compases del acorde tónico (el
acorde principal de la tonalidad de la canción). La introducción también
puede estar basada en los acordes usados en la estrofa, el estribillo o
el puente, o bien en un turnaround como la progresión I/vi/ii/V
(en particular en canciones pop influidas por el jazz). En algunos
casos, la introducción contiene sólo batería o percusión que presentan
el ritmo de la canción, o la introducción puede consistir en una melodía
de solo cantada por el cantante (o coro), o tocada por un
instrumentista.
Estrofa
La estrofa es una sección que se repite varias veces a lo largo de la canción con la misma música pero, generalmente, distinta letra.
Pre-estribillo
Opcionalmente, después de la estrofa puede haber un pre-estribillo. También llamado puente de transición,
el pre-coro sirve para unir o conectar la estrofa al estribillo con
material intermedio, típicamente usando la armonía predominante u otra
similar de transición. A menudo, cuando el verso y el estribillo usan la
misma estructura armónica, el pre-estribillo introduce un nuevo modelo
armónico para hacer que la reaparición de la armonía de la estrofa en el
estribillo parezca novedosa.
Estribillo
El estribillo suele contrastar bruscamente con el verso
melódica, rítmica y armónicamente, y asume un nivel dinámico más alto, y
a menudo con la instrumentación añadida (p.ej.: una sección de viento
puede tocar un acompañamiento, o un coro puede cantar una parte de
armonía). La forma de estribillo, o la forma de estrofa, es una forma
aditiva de sección de estructurar una obra musical basada en la repetición de una sección o bloque formal.
Cuando dos o más secciones de la canción tienen básicamente la misma
música y letras, lo más probable es que se trate del estribillo. A veces
puede repetirse al principio y al final. El estribillo suele llevar a
otra estrofa, un puente o el final de la canción. Si bien hay muchas
formas de escribir letras para el estribillo, las canciones pop suelen
usar letras simples para hacer el estribillo más pegadizo. Así, uno de
los estribillos más sencillos consiste en una frase simple como "yeah,
yeah, yeah".
Puente
En una canción, un puente es un interludio que une o conecta
dos partes de una canción y que crea una conexión armónica entre
aquellas partes. El puente por lo general se diferencia del verso y del
estribillo en su estructura armónica (la progresión de acordes) y
lírica. Suele diferenciarse de la estrofa y el estribillo tanto en la
progresión armónica como en la letra; de hecho, un puente musical no
siempre tiene letra. Un puente puede estar ejecutado únicamente por la
sección de ritmo o por la sección de ritmo y un instrumento solista.
Generalmente la estrofa se repite al menos dos veces antes del
puente. El puente entonces puede sustituir la tercera estrofa o bien
precederla o seguirla inmediatamente. En este último caso, retrasa el
estribillo esperado. Ya que el oyente, por la secuencia de sonidos y la
estructura, espera el estribillo, cuando suena el puente (siempre que
tenga una armonía o letra diferente a las del estribillo), el oyente
resulta agradablemente sorprendido al no ver cumplidas sus expectativas.
El estribillo que sigue al puente suele ser el último y a menudo se
repite varias veces para acentuar que se trata del final la canción.
Cuando se espera una estrofa o un estribillo y toma su lugar algo que
es melódica y líricamente diferente de ambos, muy probablemente se
trate del puente.
Colisión
Una colisión es una sección musical donde dos partes
diferentes se superponen, por lo general durante un período corto. Se
usa principalmente en la música a ritmo rápido, y está diseñado para
crear tensión y el drama. Por ejemplo, durante un estribillo hacia el
final de la canción, el compositor puede intercalar elementos musicales
del puente.
Solo intrumental
Un solo es una sección de la canción diseñada para destacar a
un solo ejecutante instrumental (p.ej., un guitarrista o un armonicista)
o, menos comúnmente, a varios (p.ej., un trompetista y saxofonista). La
sección de solo puede ejecutarse sobre los acordes de la estrofa, el
estribillo, el puente o sobre una progresión estándar, como la del blues
de 12 compases. En algunas canciones pop, la sección de solo puede
estar basada en una progresión de acordes diferente, pero esto no es
común. En otras canciones pop, el ejecutante del solo toca la misma
melodía que el cantante principal, a menudo con adornos como riffs, escalas y arpegios. En las canciones influidas por el jazz o el blues, los solos pueden ser improvisados.
Un solo de guitarra por ejemplo:
Coda
La coda u outro es la sección breve al final de la
canción. El tipo más simple de coda simplemente repite el acorde de
tónica durante varios compases o usa una progresión breve, como la
progresión ii/V7 o I/IV/V7, repetidamente. La coda también puede basarse
en la progresión armónica de otra sección, como el estribillo. En
algunos casos, los solistas instrumentales pueden improvisar durante la
coda. En algunos estilos musicales como el Gospel o el R&B, el cantante principal puede improvisar melismas y escalas durante la coda.
Break
Un break o ruptura es una sección tocada por un solo
instrumento, posiblemente de percusión, que forma un interludio durante
una canción. En algunos géneros un break es sinónimo de solo,
pero generalmente se diferencian en que durante el solo el
acompañamiento sigue sonando, mientras que durante un break no.
Ad lib
Un ad lib (del latín: Ad libitum,
"a voluntad") es cualquier línea adicional insertada entre las partes
de una canción. Por lo general, el ad lib repite la línea antes cantada
en una tonalidad diferente o clave, o incluso hablando. Durante una
sección Ad libitum el ritmo puede hacerse más libre (con la sección de
ritmo siguiendo al cantante) o la sección de ritmo puede pararse
completamente, dando al cantante la libertad de usar cualquier ritmo que
desee. El cantante puede incluir ad libs que no figuran originalmente
en la canción, como una referencia a la ciudad donde se encuentra o a
los acontecimientos actuales. En general, ad lib es sinónimo de
improvisación; esto significa que el cantante o el instrumentista
interpreta libremente el material de la canción, modificándolo a
voluntad, creando así sonidos nuevos al momento justo de interpretarla.
También se puede producir lo que se llama "Scat":
"En la música jazz, scat es un tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido, convirtiendo la voz en un instrumento musical
más. El scat da la posibilidad de cantar melodías y ritmos
improvisados. Ejemplos: «Scat, skeet, skee, do doodle do, Skeet, skuld,
skoot, do doodle do, Skoodulah ball, be-duh-be-dee zoot zoot zu,...»1Esta improvisación vocal es una forma de virtuosismo que requiere habilidad y entrenamiento, ya que es tan difícil como la improvisación con un instrumento. También ha sido utilizado como un recurso humorístico dentro de las canciones.
Aunque este recurso vocal se ha asociado como propio del jazz, ha sido incorporado a otros géneros musicales. En 1994 dio el salto a la música dance con el éxito mundial Scatman, del cantante Scatman John."
Para terminar dicha explicación el profesor propone un ejercicio, el cual consiste en escuchar una canción para después poder diferenciar las diferentes partes de la misma.
La canción que pudimos escuchar es Stronger than me de Amy Winehouse:
Es una estructura binaria, además no contiene introducción, y la estructura es la siguiente:
Estrofa A
Estrofa B
Estribillo
Estrofa A
Estrofa B
Estribillo (n veces) Bibliografía
- Página oficial wikipedia
http://es.wikipedia.org/wiki/Estructura_de_una_canci%C3%B3n_%28m%C3%BAsica_popular%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Scat_%28m%C3%BAsica%29
(Consultadas en 12 de Abril de 2013).
- Página definición
http://definicion.de/cancion/
(Consultada en 12 de Abril de 2013).
- Página la forma musical
http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~41009019/musica/la_forma_musical.htm
(Consultada en 12 de Abril de 2013).
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